“Una coppia e la rappresentazione per immagini delle performing arts” con Silvia Lelli e Roberto Masotti

Aveva qualcosa di particolare. La luce che filtrava dalle persiane rendeva quasi magico quell’ambiente. Lei lo notò immediatamente. Il respiro un po’ affaticato per raggiungere quel quarto piano, diffidando dell’ascensore, prendeva ritmi più lenti fino ad assumere uno stato di piacevole armonia. L’agente immobiliare continuava la sua minuziosa descrizione, ma non era necessaria. Ormai lei aveva già capito che quell’appartamento di quella strada milanese non lontana dalla Darsena, sarebbe stato la loro abitazione e anche la loro sala di posa. Non rimaneva che comunicarlo a lui.

Silvia Lelli e Roberto Masotti (ph. by Luca d'Agostino)

Il lui in questione è Roberto Masotti. Colei invece che in quei primi anni ’70 varcò per prima la soglia di quella che poi sarebbe diventata la loro casa e all’epoca luogo di lavoro è Silvia Lelli. La storia ora potrebbe continuare citando un unico nome “Lelli e Masotti”, perché loro, oltre che essere una coppia nella vita privata, sono firma unica (e prestigiosa, ndr) nell’ambito professionale della fotografia delle performing arts. Ma per capire meglio chi sono Silvia e Roberto, occorre tornare di qualche anno addietro.

Lui arriva dall’industrial design. Questo conta, ma fino ad un certo punto. Ciò che forse è scatenante per la sua carriera è un altro elemento. A Roberto piace la musica. È un appassionato di musica contemporanea, di jazz e di un certo tipo di rock. Ma soprattutto è uno che vive la musica. Va ai concerti, ascolta, guarda e inizia a fare qualche foto. Poi prende l’abitudine di accompagnare i concerti con la macchina fotografica. Il gioco è fatto. Roberto capisce che si possono fare due delle sue attività preferite insieme, ascoltare e vedere per poi immortalare il tutto attraverso la fotografia. Inizia a narrare ciò che vede. I musicisti, l’ambiente e soprattutto la relazione tra i due. È il suono organizzato. Questi scatti piacciono, a tal punto che Roberto inizia a collaborare con delle prime testate di musica.

Il percorso iniziale di Silvia invece è legato all’architettura e ad una laurea in urbanistica. Cosa centra con la fotografia? Fondamentale. Silvia presta un’attenzione particolare agli spazi e il suo fotografare tiene sempre conto che nella composizione di una buona immagine deve esserci l’armonia degli spazi. A questo Silvia aggiunge un’altra sensibilità. È data da una passione per il teatro. Partecipa ad una compagnia teatrale universitaria. Fa sue le regole di portamento su un palco. Silvia impara presto a vincere una sfida: fotografare qualcosa che nasce per il movimento come può essere la recitazione o la danza. È affascinata dagli spazi teatrali e questa attrazione rimarrà costante.

Note Sparse by Lelli e Masotti

Silvia e Roberto che sono insieme fin dai tempi del liceo iniziano un percorso straordinario. Un percorso di vita che si mescola ad uno professionale, dove la passione per la fotografia diventa il collante indissolubile di una coppia, che pur mantenendo le singole individualità, si rafforza ed evolve come persone e come professionisti. Sullo sfondo diverse città. Ravenna quella di origine. Firenze per gli studi. Poi Bologna, i primi lavori. Fino a giungere nel ‘74 quella Milano, capitale della musica, della discografia e dell’editoria.

Ci sono in Italia mensili di musica e cultura alternativa come Gong e Muzak che ospitano le foto di Roberto. C’è Spettacoli & Società dove pubblicano entrambi, c’è la prestigiosa rivista Musica Viva diretta da Lorenzo Arruga dove Silvia fa parte della redazione e realizza copertine e servizi. E proprio dall’ambito musicale classico si apre all’improvviso una nuova opportunità: il Teatro alla Scala chiede a Silvia di immortalare tutto ciò che accade al suo interno. L’incarico è gravoso e articolato, eccessivo per uno solo, è quindi Lelli e Masotti ad assumere quell’incarico con il loro talento e la loro passione. È l’anno 1979 e per diciassette anni diventano testimoni attraverso i loro scatti di un incommensurabile capitale a livello artistico. Prove, rappresentazioni, prime e repliche. Un lavoro enorme in termini numerici. Cinquecento mila negativi in bianco e nero. Altri trecento mila a colori, con la dovuta approssimazione. Un archivio da custodire gelosamente da parte del teatro, ma allo stesso tempo un momento di condivisione di straordinaria bellezza. Loro stessi lo hanno voluto, non poteva essere altrimenti. In ogni singolo scatto escono le gesta, le emozioni, gli ambienti che Silvia e Roberto hanno saputo cogliere creativamente.

Orchestra Filarmonica del Teatro alla Scala diretta da Riccardo Muti, immagine tratta da La vertigine del teatro by Lelli e Masotti

“C’è una cosa che aiuta molto insieme al talento, si chiama intuito che unito al sapere cosa stai descrivendo e alla scelta di cosa fotografare può fare la differenza”, mi dice Roberto guardando Silvia che conferma. Sarà, comunque c’è anche una particolare alchimia che è proprio frutto di questa complicità tra loro. Perché anche se lavorano in maniera disgiunta, c’è un trasferimento di energia da uno all’altro che porta all’ottimizzazione di uno scatto. In teatro il lavoro di squadra è fondamentale.

Sono passati quasi quarant’anni dal loro arrivo a Milano. Tante cose sono cambiate. La fotografia è cambiata. Le possibilità di pubblicare fotografie. Ciò che non è cambiato però è la loro curiosità, la loro voglia di sperimentare, addirittura di anticipare e soprattutto di fotografare ciò che piace a loro. La loro non è solo fotografia. È un’idea, un pensiero culturale a 360° sulle performing arts.

Nel frattempo la luce, la magica luce, continua ad entrare dalle persiane di quell’appartamento di quella strada non lontana dai Navigli.

Le mani impugnano il volante. Lo sguardo è fisso sulla strada. L’autoradio suona e i pensieri volano. Fermo ad uno stop strade s’incrociano. Destini pure e la luce del crepuscolo sale. Intanto il paesaggio là fuori cambia. Cambia per chi è in grado di vedere. Cambia per chi è in grado di sentire. È così che accosta la macchina, impugna la sua medio formato ed inizia il suo dialogo.

A fare tutto ciò è Giovanni Pasinato, una laurea in legge alle spalle, una carriera da legale rifiutata e centomila chilometri all’anno di strade attraversate. Rappresentante per differenti categorie merceologiche, le sue dieci ore di vita quotidiane le trascorre in auto, tra le terre dell’Emilia e quelle marchigiane.

Ma Giovanni non è solo nei suoi viaggi. Non lo è mai stato. Fin da quando veniva scorazzato dai genitori, la sua fedele compagna di viaggio è stata la sua macchina fotografica.

Fotografa Giovanni. Fotografa per immortalare. Fotografa per condividere. Fotografa per capire. È una passione quella sua, ma è pure un innato talento. Dai suoi primi viaggi riceve il plauso dagli amici per quello che riesce a trasferire con quelle sue istantanee. Non sono semplici convenevoli. Sono sinceri ringraziamenti per ciò che riesce a fare.

Inizia a crederci Giovanni. In lui sale la consapevolezza che è questo il suo percorso. Inizia a studiare fotografia. Fa corsi di approfondimento. Affina la tecnica. Preserva la sua spontaneità. Giovanni diventa autore. Autore di emozioni trasferite attraverso l’immagine fotografica.

Tutto questo bagaglio Giovanni lo trasferisce nei suoi spostamenti. I luoghi, i paesi, le terre di provincia attraversate durante il suo lavoro diventano tutte potenziali scenari di un progetto, dove lo stimolo principale sembra essere quello “di chiedersi dove siamo e cosa stiamo facendo”.

Ogni pausa, ogni punto che unisce un incontro da quello successivo sono occasioni uniche per dialogare con ciò che sta intorno a Giovanni. Un dialogo quello di Giovanni “tra le apparenze e i simulacri”, intriso di quella malinconia umana che non necessariamente è elemento di uno stato d’animo negativo. Anzi è la naturale grammatica di Giovanni per entrare in confidenza con il suo paesaggio circostante e il suo paesaggio interiore.

Il lavoro di due anni di scatti si materializza in sessanta stampe. È un altro Giovanni, Giovanni Umicini ad affiancarlo in questa delicata fase conclusiva di stampa fotografica. Il risultato è straordinario. Quel bianco e nero su negativo 6×9 stampato a mano in laboratorio è la perfetta tecnica interpretativa della fotografia di Giovanni Pasinato. Il suo progetto diventa una mostra. Le sue fotografie opere condivise con un pubblico.

Da qualche giorno Giovanni ha intrapreso un nuovo lavoro. Fa l’agente assicurativo. Continuerà a viaggiare. Forse di più. Forse di meno. Con sé comunque ha sempre “un registratore fotografico”, perché comunque Giovanni rimane fotografo o ancora meglio, Giovanni Pasinato è autore fotografico.

Roma nord. Una strada. Una via. A nemmeno cento metri di distanza due abitazioni. Da una di queste un ragazzo esce. Subito dopo una curva a destra, fa un fischio. Il cancello dell’altra casa si apre. E’ un incontro. E’ l’incontro. E’ un rituale che si ripete quasi tutte le sere. E’ un’amicizia nata in passato, che vive il presente e si proietta nel futuro. E’ più semplicemente la storia di Valerio ed Emanuele.

Valerio Tirapani ed Emanuele Di Feliciantonio

Valerio Tirapani ha ventidueanni. Fa il postino. E’ pittore. Emanuele Di Feliciantonio ne ha ventisette ed è un fotografo professionista. Si conoscono fin da bambini. Hanno giocato insieme. Hanno corso. Riso e qualche volta si sono pure azzuffati. Ora condividono parole. Scambiano pensieri. Si confrontano sulla vita. Oggi come ieri una cosa è rimasta intatta. La gioia di stare insieme. La spensieratezza di una paio d’ore passate in compagnia.

Per Valerio c’è un liceo artistico iniziato e un diploma in psicopedagogia conseguito, ma soprattutto c’è il disegno. Quello che ha sempre fatto con una matita in mano. Quello che ha scoperto quando si è ritrovato con gli attrezzi di una pittrice scomparsa. E’ proprio lì che quasi per gioco, quello che era un suo modo di intrattenere il tempo, diventa qualcosa di più strutturato. Da un foglio passa alla tela. Dal pensiero alla pittura. Un giorno prende un quadro acquistato tempo prima all’Ikea. Non gli piace. Forse non gli è mai piaciuto. Lo gira e ne disegna uno lui. E’ una “finestra”. E’ la prima di una lunga serie. Nel guardarle il senso che ne ha è quello di entrarci dentro. E’ quello di entrare nell’anima delle persone. Una visione che prende forma. Per Valerio la soddisfazione è totale.

Emanuele inizia a lavorare a tredici anni. A quindici riceve la sua prima paghetta. A diciotto passa al professionismo. Da allora è il fotografo ufficiale di tutto ciò che è arti marziali, boxe, sollevamento pesi e molto altro ancora, perché come dice lui “dove si menano io ci sto”. Emanuele è un po’ figlio d’arte in tutto ciò. Il suo legame con lo sport è un legame generazionale. Suo nonno praticamente ha introdotto le palestre a Roma. Suo padre si è occupato di produzioni televisive legate alle arti marziali. Produzioni che dopo la sua scomparsa, Emanuele segue insieme alla fotografia.

In questi due contesti professionali apparentemente lontani, ecco che Valerio ed Emanuele trovano un punto di contatto. Quasi inevitabilmente tra una chiacchierata e l’altra di una delle tante serate trascorse insieme, si ritrovano a condividere un’idea. Perché non mettere insieme la pittura con la fotografia? Nemmeno il tempo di capire come, che passano immediatamente all’azione. Valerio dipinge le sue finestre sulle schiene di alcune persone. Emanuele che sa cogliere l’essenza di un gesto fisico immortala il tutto. Il risultato è straordinario. E’ straordinario per la bellezza che rappresenta. E’ straordinario perché è il perfetto equilibrio di due forme d’arte. E’ straordinario soprattutto perché è la sintesi di un’amicizia che traspare nella sua completezza.

La pittura di Valerio Tirapani incontra la fotografia di Emanuele Di Feliciantonio

L’idea non si ferma. Due, tre, quattro fino ad arrivare ad una decina di opere. Opere dove la posizione dei modelli è la cornice e la loro schiena diventa la tela. Il progetto viene mostrato. Prima ad amici. Poi a galleristi ed esperti di arte. Le conclusioni sono sempre quelle. Quelle che ti portano via le parole per lasciare spazio alle emozioni. Iniziano una prima serie di mostre in giro per l’Italia. I consensi si moltiplicano. Anche i sorrisi, quelli di Valerio ed Emanuele che sembrano aver trovato una chiave di lettura a tanti discorsi fatti in piacevoli serate trascorse insieme.

E’ solo l’inizio. Il passo successivo non è ancora svelato, ma sicuramente sarà un altro entusiasmante viaggio nell’animo delle persone. Intanto è giunta un’altra sera. Dopocena Valerio scende di casa. Dopo pochi passi inizia a fischiare e la porta di casa Di Feliciantonio si apre. Perché alla base di tutto c’è la loro grande amicizia.

Valerio Tirapani feat. Emanuele Di Feliciantonio

Se non me l’avesse detto con quel suo tono pacato, ma intrigante, difficilmente le avrei creduto. Però alla fine tutto quadrava. Perciò anche quella corsa fatta sui colli berici con Putin non solo ci stava, ma era una conferma che tutto può accadere se la costruzione del proprio percorso di vita è ben sostenuta da determinazione, preparazione ed elasticità mentale. Se a ciò si aggiungono delle passioni coltivate e una buona dose di curiosità, le parole di Elena Cadic non sono altro che la testimonianza che “si può fare”.

Elena Cadic, autrice e curatrice del magazine online Fashion Forchetta

Nonostante la giovane età Elena non perde un istante per costruire il proprio futuro. A diciottoanni arriva in Italia. Le sue origini russe non si disperdono però. Piuttosto si arricchiscono. Come una spugna s’immerge in una nuova cultura. Con lo stupore di chi non è assuefatto alla bellezza delle cose o più semplicemente è in grado di apprezzarne i contenuti, coglie pienamente quanto di meraviglioso possa esserci nell’arte, nel design, nella moda, nel cibo, nella storia che hanno fatto grande un paese come il nostro.

Per Elena tutto ciò non può che essere un grande punto di partenza. Intraprende il corso di laurea in Storia dell’Arte. Porta rapidamente a compimento il suo percorso di studi ed inizia immediatamente a confrontarsi con il mondo del lavoro. La prima occasione apparentemente sembra lontana da ciò che le sta più a cuore. Diventa assistente ed interprete presso il centro Mességué. E’ pure questa un’esperienza. La possibilità di parlare più lingue le permette di essere elemento prezioso, soprattutto quando gli ospiti di queste strutture sono per lo più stranieri. Poi comunque è l’occasione per fare quella corsa con Putin, che forse non le sarebbe mai accaduta in altre situazioni.

Ma è solo l’inizio. Un passo importante nella direzione che più interessa ad Elena arriva con la collaborazione con un’importante galleria d’arte. E’ qui che inizia a respirare ciò che magari fino a poco tempo prima aveva studiato sui libri di scuola. Opere, artisti, vernissage, la vita di Elena prende un’accelerazione completa. Un anno mezzo, quasi due, dove Elena sette giorni su sette mette a disposizione le proprie competenze e allo stesso tempo non smette il suo continuo apprendimento.

Ed ecco il momento di mettersi in gioco. E’ qui che l’inventiva si sposa con le sue passioni e soprattutto l’intuizione trova sostegno nelle opportunità messe a disposizione da un nuovo modo di comunicare. Internet è lo strumento. Fashion Forchetta il progetto. Elena Cadic l’ideatrice. A sentirlo raccontare dalle sue parole dopo averla conosciuta, non si può dire altro che doveva finire così. Un nuovo percorso per Elena, che altro non è che l’insieme dei suoi interessi, visti, corretti ed interpretati dalla sua soggettiva. Una soggettiva che è il risultato di un continuo aggiornamento su tematiche di suo interesse. Anche se con Elena non è possibile porre dei confini al suo desiderio di conoscere in una visione globale.

Immagine di Fashion Forchetta, il magazine online di Elena Cadic

Moda e cibo. Sono questi i due elementi iniziali di questo suo progetto. Lei che fin da subito ha colto che cosa ci contraddistingue per il nostro made in Italy nel mondo. Il suo è un approccio da citizen journalist, dove alla base c’è prima di tutto l’essere lettrice. Essere informati, approfondire con letture, scendere in profondità su alcune tematiche prima ancora di iniziare a redigere dei propri contenuti. E’ così che attraverso Fashion Forchetta inizia a pubblicare i suoi primi articoli, le sue prime interviste. Chef e stylist parlano del proprio lavoro, spesso e volentieri anche in termini molto analoghi, forse perché comunque la base creativa è comune. Elena incontra questi protagonisti. Elena prova nuovi ristoranti. Elena partecipa alla presentazione di nuove collezioni.

La creatività di Elena Cadic è anche nel fare. Ecco un esempio di una collana da lei realizzata

Quel giorno che Elena quasi timidamente ad un mio incontro alzò la mano per dirmi che forse anche la sua storia poteva essere d’interesse aveva perfettamente ragione. Elena Cadic non solo racchiude talento e passione, ma trasforma in azione ciò che può far sì che un’idea diventi qualcosa di concreto. Lei stessa è alimentata dalla creatività che caratterizza i prestigiosi designer, chef e stilisti che intervista. Quella creatività applicata che le permetterà di fare grandi cose. Fashion Forchetta è l’inizio. L’arrivo è lontano. Ma nel perseguire la sua destinazione, Elena ne avrà di soddisfazioni.

29 dicembre 2011.

Era da un po’ che lo rincorrevo. Come un metallo attratto da un magnete, sapevo che prima o poi ci saremo inesorabilmente incontrati. Il tutto accade quando un anno sta per finire e il suo compleanno è trascorso da appena un giorno. “E’ un eterno presente…” dice rispondendomi sul trascorrere dell’esistenza. “E’ una storia in continua evoluzione” mi verrebbe da rispondergli ripercorrendo il suo cammino professionale.

Fotografia e musica sono gli ingredienti del suo lavoro. Parti integranti della sua persona forse è più corretto dire. Approfittandone dell’informalità di quei giorni di festa, gli chiedo quale potrebbe essere un ritratto fotografico che ben lo rappresenti e lui, Guido Harari, mi risponde così: “Un tempo, quand’ero soprattutto fotografo, mi sentivo un “dilettante ispirato”. Oggi, dopo avere realizzato, libri, mostre, e aver aperto la mia galleria fotografica, Wall Of Sound, credo di portare avanti a più livelli e con strumenti diversi un’opera di divulgazione non solo sull’immagine della musica, ma sulla musica stessa e sulla realtà di cui è, o è stata, espressione”.

E’ un uomo che non solo ben sa cosa significhi il termine passioni, ma anche ha capito l’importanza di alimentarsi di esse – “…vuol dire tenere sempre accesa la propria scintilla interiore. È qualcosa di molto intimo, impresso da sempre nel proprio Dna. Quando il mondo intorno muore, si può sempre riconnettersi con la propria scintilla interiore per guardare avanti e “credere”. Non ci sono alternative”.

Guido Harari è colui che ha fatto talmente tante cose da poter essere soddisfatto di aver realizzato così tanti sogni, ma che ugualmente parlando di cosa ha ancora rinchiuso nel cassetto, risponde che per quello avrebbe bisogno di una macchina del tempo e di un’altra vita a disposizione.

Quando parla del suo lavoro sono le emozioni ad emergere dalle parole – “Mi emozionano il contatto con l’altro, le potenzialità di approfondimento, di conoscenza. Per un timido cronico come me, il lavoro di fotografo obbliga a saltare tutta una serie di impacci e ad esporti per quello che sei. Non è ammessa finzione. Dunque il mio è un lavoro veramente auto terapeutico e, come tale, irrinunciabile”.

Ma è sugli incontri che irrompono gli elementi distintivi che hanno caratterizzato la sua vita. Come quando mi racconta di come sia avvenuto il suo incontro con la fotografia – “Ho amato la fotografia fin da piccolo, osservando mio padre (che non era certo un professionista) fissare con la sua macchina fotografica i momenti salienti che scandivano la vita della nostra famiglia. Ho imparato ad apprezzare di più le piccole e grandi sorprese della vita proprio per la possibilità di fissarle su pellicola. Questa passione si è presto intrecciata con quella per la musica e ad un certo punto, prima ancora che compissi vent’anni, ha prodotto quello che è diventato il mio ‘lavoro’ ”.

Già la musica, un altro incontro incantevole, come lui stesso mi racconta: “Ho scoperto la magia della musica da bambino, infilando 45 giri nel mangiadischi dell’auto di alcuni amici di famiglia. Una specie di primitivo car stereo. Quando sono arrivati i Beatles, compravo già dischi con la mia paghetta, e non c’è voluto molto per capire che quella sarebbe stata la passione di una vita intera. Ho cominciato a ritagliare giornali, collezionare dischi e memorabilia e, più tardi, a fotografare e a scrivere”.

Guido Harari (sulla dx) con Franz Di Cioccio

Infine arriviamo a quell’incontro che forse ha dato quell’accelerazione finale affinché mi mettessi in contatto con lui: Giorgio Gaber. “Ho apprezzato Gaber fin dai primi dischi “dei Navigli”, ma l’ho incontrato tardi, grazie a Enzo Jannacci, quando insieme riformarono il loro adrenalinico duo, ribattezzandolo Ja.Ga. Bros. Come se non più di De André, Gaber è stato la coscienza di più di una generazione. Impossibile non farsi contagiare e travolgere dall’irruenza delle sue performance, dalla corrosività delle argomentazioni, dalle instancabili provocazioni. Gaber resta a tutt’oggi, insieme a Pasolini, un esempio di serietà, di coerenza, di infaticabile ricerca. Colpiva di lui la dialettica, la sua smania di confrontarsi col pubblico in estenuanti dibattiti, il suo rimettere tutto in discussione – valori, idee, rituali. Ascoltare Gaber significava riaprire piaghe dolorose e gettare lo sguardo nell’abisso delle proprie contraddizioni. Dopo di lui, nessuno, purtroppo”.

Un anno fa proprio Guido, aveva pubblicato un meraviglioso libro fotografico su Gaber dal titolo L’illogica utopia. – “Era tempo che si restituisse la parola a Gaber a quasi dieci anni dalla sua scomparsa. Per colmare un vuoto troppo ingombrante, per riascoltare la voce dell’intelligenza, per rilanciare nuovi quesiti in un’epoca di finte certezze e di sgradevolissima cosmesi. Un libro come L’illogica utopia ha significato per me anche il lusso di poter approfondire il percorso e la poetica di Gaber (senza dimenticare l’apporto fondamentale del suo partner Sandro Luporini) attraverso i suoi appunti, le sue interviste e una messe di materiali messi generosamente a disposizione dagli amici della Fondazione Giorgio Gaber. Di questo non potrò mai ringraziarli abbastanza”.

Oggi un suo nuovo libro Quando parla Gaber. – “… doveva intitolarsi, ben più significativamente, Io non mi sento italiano. È nato dall’esigenza di uscire dall’autobiografismo dell’Illogica utopia per zoomare sugli anni del Teatro Canzone e dell’impegno civile. Di fatto il libro riprende una serie di materiali contenuti nell’Illogica utopia con l’aggiunta di alcuni inediti che si rendevano indispensabili in questa nuova veste. È un piccolo libro Zen da tenere sul comodino o in tasca, pronto in qualunque momento a regalare stimoli e, soprattutto, conforto”.

Prima di concludere questa nostra chiacchierata gli chiedo se secondo lui, nell’ambito artistico, esiste oggi un nuovo Signor G e lui senza esitare mi risponde: “Non potrà mai esserci un nuovo Signor G, come non potrà mai esserci un nuovo De André. La storia avanza e richiede nuovi testimoni, persino nuovi linguaggi. Siamo qui ad attendere chi saprà raccontare questi tempi bui con parole nuove. È già molto che, in questa attesa che si fa sempre più lunga e preoccupante, artisti con una visione come Gaber e De André possano aiutarci a decifrarli e a indovinarne gli sviluppi futuri”.

Finisce così questo nostro primo incontro. Ma sono sicuro che ora che ci siamo conosciuti, ci saranno altre occasioni per parlare, per condividere oppure semplicemente per solo sognare.

A presto Guido.

Di solito rimango meravigliato dalle bellezze paesaggistiche che si possono scoprire, in alcuni casi però prevale lo sconforto per come si possa violentare il nostro territorio.

Steve Bisson visto attraverso il disegno della cuginetta Nina

Steve è anche l’ideatore di due innovativi progetti. Urbanautica
che ormai è diventato un punto di riferimento a livello internazionale di come sia possibile parlare di territorio attraverso nuovi linguaggi e del recente traccia, con il quale Steve offre un originale modo per comunicare un altro elemento fortemente legato alla terra: il vino.

“Steve cosa vuol dire per te occuparsi di urbanistica in modo diverso?”

“Nella società va crescendo l’attenzione verso i “modi di fare” sul territorio. Stiamo diventando meno indifferenti o più sensibili a quello che ci sta attorno. In questo senso serviranno strumenti e linguaggi nuovi per interpretare i bisogni emergenti.”

“In quest’ottica immagino che rientri anche il documentario “Far West” che hai realizzato per rappresentare la zona industriale di Vicenza Ovest. Come viene accolto dagli enti e dalle istituzioni con le quali collabori, questo tuo stile “contemporaneo” nel descrivere il territorio?”

“La rapidità del progresso tecnologico genera divario tra le generazioni che si traduce a volte in un gap di comunicazione fra chi decide e chi crea. Ciò non è accaduto con “Far West”, forse perché abbiamo “girato” in acciaieria la settimana prima della tragedia nella fabbrica Thyssen-Krupp a Torino. ”

Mentre Steve parla, affiorano in me le immagini desolanti dei capannoni che incontro quando faccio ritorno nelle mie zone d’origine della pianura veronese. Immensi scatoloni vuoti sparsi lungo ampie aree che dividono un piccolo comune da un altro.

“Secondo te Steve, com’è possibile trovare una soluzione a questi problemi di eccessiva costruzione in queste zone industriali che ora si ritrovano a fare i conti con un loro inutilizzo?”

“Negli ultimi 30 anni la specie umana ha prodotto più di quanto avesse fatto in tutta la sua storia. La metà circa di queste cose sono edifici produttivi. La soluzione passa per il riutilizzo o il riciclo di queste immensità di materia.”

Logo di naturae, la mostra che Steve Bisson sta organizzando e che rappresenterà il primo salto nell'offline per il progetto Urbanautica

“Veniamo ai tuoi progetti ora. Partiamo con Urbanautica. In due parole in cosa consiste?”

“È un modo per educare lo sguardo attraverso la lettura della fotografia.”

“Qual è stato l’elemento chiave per il successo di Urbanautica?”

“La rete, perchè offre la possibilità di esprimere il proprio talento. Poi viene la selezione dei contenuti che sarà sempre più indispensabile nel futuro per riuscire a convincere e quindi emergere.”

“Quindi in un certo qual senso, mi stai dicendo che sei andato controcorrente alle tendenze dei social network, puntando su meno contenuti, ma con un maggior tasso qualitativo. Quali sono i parametri di selezione per un contributo inviato ad Urbanautica, visto che la qualità è sempre un indice piuttosto soggettivo da gestire?”

“Non ricerchiamo fotografie ma progetti che abbiano qualcosa di non banale da dire. Anche la fotografia poi ha la sua grammatica e va rispettata.”

“Con che spirito gli utenti si avvicinano ad Urbanautica?”

“Ciascuno a modo proprio direi…”

“I Paesi nei quali ha trovato maggiore riscontro in termini numerici Urbanautica quali sono?”

“Ci visitano da 106 Paesi nel mondo. Stati Uniti e Nord Europa i più frequenti. I paesi emergenti Brasile, Russia e Cina. L’Italia naturalmente.”

“Questo è un progetto che parte dal web, ma che a breve farà un salto nell’offline attraverso una serie di mostre. Ci sarà un’anteprima? Come verranno articolati questi eventi?”

“Sì, stiamo curando una mostra internazionale. Sarà un percorso itinerante con un’anteprima al Festival di Savignano, rassegna di spicco per la fotografia contemporanea in Italia.”

“E il futuro di Urbanautica quale sarà?”

“Il mio prossimo sogno è editare delle monografie in serie numerata.”

Le parole con le quali Steve si esprime, fanno intravedere un’anima poetica e sognante che sembra lasciare poco spazio alla sua formazione tecnica ed aziendale. Allo stesso tempo però si respira concretezza e operatività che permettono immediatamente di capire che i suoi progetti sono certamente originali, ma ben ancorati ad una visione di solido sviluppo.

“Raccontami ora di traccia. Da dove nasce e che finalità ha?”

“Il desiderio è sempre lo stesso, raccontare la bellezza. Siccome avevo questa passione per il vino mi sono lanciato con degli amici. L’idea è di raccontare il vino in modo diverso.”

“Se ho ben capito, traccia è costituita da due aspetti. Da un lato il sito internet, come luogo virtuale dove parlare di vino non in modo istituzionale. Poi invece c’è la collezione di vino. Siete già riusciti a produrne una?”

“Sì, una produzione limitata di bottiglie di Malbec realizzata assieme ad una giovane cantina argentina.”

“E’ vero che hai scritto un soliloquio per introdurre traccia al pubblico?”

“Certo, poi ne ho stampato un po’ di copie per gli amici perché possano raccontare questa storia a loro volta.”

“Immagino che non seguirà dei canali distributivi tradizionali. Questa collezione come sarà reperibile nei locali?”

“Nel nostro sito segnaleremo i locali che hanno interesse a lasciare una traccia… Nessuna distribuzione tradizionale, visto i numeri al momento preferiamo sviluppare una rete di contatti umani.”

“Colgo sia in Urbanautica sia in traccia una volontà di far emergere l’eccellenza. Secondo te, Internet da questo punto di vista ha delle regole più meritocratiche in grado di supportare progetti come i tuoi?”

“Sicuramente più della televisione.”

Bene Steve a questo punto non mi rimane altro che assaggiare un bicchiere di vino della collezione traccia per valutarne la qualità (per quanto le mie capacità degustative consentano), ma in particolar modo per fare un grosso brindisi alla tua dote creativa di trovare continue nuove forme innovative per parlare del territorio e di quello che lo circonda.

An altar on top of the world, Tibet 2005 by Antonio Amendola

Con la fotografia ho un rapporto particolare. Fino a qualche anno fa, nemmeno portavo la macchina fotografica in viaggio, convinto che le immagini più belle fossero quelle che immortalavo direttamente nella mia memoria. Vedevo la fotocamera come un’intrusa, che mi distoglieva l’attenzione. Un mezzo al quale dedicarvi forzatamente del tempo. Sbagliavo, almeno in parte. Infatti, poi ho scoperto che è bello condividere con altri immagini, che a parole sarebbe difficile descrivere.

Con questo mio nuovo approccio alla fotografia ed incuriosito dalla segnalazione, vado a vedere chi è questo fotografo che ha destato l’attenzione di un amico, di per sé, già sensibile al tema fotografico.

Il suo nome è Antonio Amendola. Inizio a sfogliare alcuni suoi scatti. Mi basta poco per capire che il mio amico aveva ragione. Arrivo al suo blog Il circolo dei viaggiatori. Mi fermo. Lo chiamo. Veloci convenevoli di presentazione ed arrivo subito al dunque.

“Tu oggi hai un merito! Sei riuscito a togliermi quegli ultimi dubbi che mi erano rimasti legati all’utilizzo della fotografia durante i viaggi. I tuoi scatti mi hanno regalato delle emozioni. Non ti chiedo qual è il tuo segreto, ma cosa provi quando sei lì da solo con la tua macchina fotografica?”

“Ti ringrazio davvero. Credo che per un fotografo non vi sia nulla di più bello che sentirsi dire che le proprie fotografie suscitano delle emozioni. Certo, egoisticamente, di più bello c’è solo l’attimo di assoluta intimità che si vive quando si sente quel piccolo click. Scatto in apnea. Guardo e trattengo il respiro. E’ come se aspirassi la luce che ho a disposizione e la raccogliessi tutta nel momento del click. E’ una sensazione indescrivibile, quasi liberatoria.”

“Ti accorgi ancor prima di vederlo, se uno scatto ti è ben riuscito? Mi spiego meglio, negli istanti prima che ti separano dal fatidico click, immagini già la tua foto come sarà?”

“Spesso sì, mi capita. Vedi, secondo me una buona foto nasce anche dalla consapevolezza che la macchina fotografica non vede il mondo come lo vediamo noi. Noi lo vediamo in tre dimensioni, lei in due. Inoltre noi abbiamo una sensibilità alle luci ed ombre diversa, e così via. Pertanto, ritengo che un buon risultato si ottenga allineando almeno tre fattori: quello che sai che la macchina sta vedendo in quel momento, quello che tu vedi in quel momento, e quello che vuoi ottenere (altri direbbero “esprimere”) con quella foto. Se riesci a collimare tutto questo…beh…vivrai un momento magico. E gli altri lo noteranno.”

“Quando hai iniziato a viaggiare in compagnia della tua macchina fotografica? Eri consapevole del lungo percorso che avresti fatto con lei?”

“Sono cresciuto avendo come modello mio nonno e la sua camera oscura, alla quale – però – avevo poco accesso… e purtroppo se n’è andato troppo presto perché potesse insegnarmi quel che sapeva (era un ottimo fotografo). Con gli anni qualcosa è germogliato ed eccomi qui. La passione per i viaggi e quella per la fotografia si sono alimentate a vicenda ed ora non riuscirei a considerarle slegate.

Conosco chi viaggia nelle proprie memorie, chi nella propria stanza, chi nella propria solitudine, chi dietro l’angolo di casa sua, chi nel traffico quotidiano, chi nei libri. Ma c’è anche chi viaggia in luoghi sconosciuti, dentro paesaggi, memorie e visioni che non sono le sue, che non lo riguardano, che non gli appartengono. Credo che la curiosità che spinge a viaggiare oltre i confini delle proprie memorie e della propria fantasia sia alimentata da un’inquietudine di fondo che spinge a cercare ai quattro angoli del mondo qualcosa. A cercare nelle storie e nei luoghi altrui l’ombra di se stessi… Non mi spingo fino a dire che si cerca se stessi, perchè sarei pretestuoso, mi limito ad un’ombra. Ad una breve intuizione del funzionamento del mondo. Il satori… Ci si mette in discussione e si apre il cuore e la mente, pronti ad accettare le meraviglie della porta accanto o i disastri di paesi lontani e dimenticati, capendo che quello è il mondo e la vita che sarebbe potuta essere la tua ma non lo è stata. E ci si domanderà che cos’è realmente il mondo, questo piccolo campo di gioco che ci vede affannarci dalla mattina alla sera.

E alla fine, anche se non avremo trovato la risposta… quelle domande che ci saremo posti e la curiosità che ci ha spinto per strada (o anche solo la strada della memoria o di una fantasia di carta) ci avrà regalato un bel viaggio. Il ritorno, forse, coinciderà con l’andata. E si capirà che alla fine… tutto torna. I conti tornano sempre…

Perchè scriverlo e perché fotografare il proprio viaggio? Perchè voler condividere la bellezza del mondo o il dolore delle tragedie degli uomini che lo stanno distruggendo? Perchè è vero che spesso si viaggia da soli ma è altrettanto vero che a volte è bello anche viaggiare in compagnia (virtuale nel mio caso di blogger) e rimandare ad altri la sensazione di poter essere in viaggio anche se confinati in una stanza.

Io viaggio per ricordare quando non sarò più in grado di farlo. Viaggio per capire che il mondo è bello e che si può cambiare sempre in meglio. Viaggio per rendermi conto che sono fortunato. Viaggio per ricordarmi che sono vivo.…E la mia macchina fotografica è un’insostituibile compagna di viaggio…”

Nella foto Going back home? - Finnmark, Norway by Antonio Amendola - Esposta dal National Geographic a Milano

“Parto dal presupposto che per te ogni viaggio sia una fantastica nuova esperienza, però ce n’è uno al quale sei particolarmente legato?”

“Hai ragione, ogni viaggio è un’esperienza a sé. Non ricordo un viaggio brutto o non interessante. Tra i più, direi, intensi, sicuramente uno in Perù ed uno in Tibet. E poi sicuramente il Finnmark norvegese. Lì ho avuto il privilegio di vivere uno di quei momenti che chiamo “momenti wow”. Quando rimani letteralmente a bocca aperta e capisci che lì la macchina fotografica non basta più. Devi registrare con gli occhi e la testa. Eravamo in navigazione sul mare di Barents ed era notte inoltrata. Da giorni, durante un reportage fotografico, davamo “la caccia” all’aurora boreale, purtroppo senza successo. Dopo qualche turno sul ponte della nave e qualche malore dovuto al mare mosso i miei compagni di viaggio mi avvisano dell’improvvisa apparizione dell’aurora. Il tempo di infilarmi degli stivali e di precipitarmi in coperta… Appena ho aperto la porta sul ponte… bang! È stato come andare a sbattere contro la Natura in persona. Immagina, mare mosso, nave che beccheggia, nero pesto, apri la porta e vedi questa…immensa… onda verde che ondeggia silenziosa nel cielo… quasi a 180 gradi. Una cosa indescrivibile. Ancora adesso ho i brividi a pensarci… Fotografarla è stato impossibile a causa delle condizioni proibitive ma, forse, è stata la più bella foto mai fatta…”

“Ho visto che hai realizzato una pubblicazione dedicata a Buenos Aires: i luoghi e i momenti del tango. Come si fa a racchiudere in uno scatto, la magia di un ballo così passionale?”

“Il viaggio a Buenos Aires (legato, poi, ad un giro della Patagonia e della Terra del Fuoco), è nato da una passione per il ballo e la musica in se’. Già dopo poche ore in città ho capito che sia i colori forti, saturi, sgargianti, dei “luoghi” del tango a Buenos Aires (ad esempio, il quartiere della Boca) sia le atmosfere rallentate, retro, fumose, in bianco e nero, delle milonghe, esprimano la nostalgia di quanti abbandonarono i loro Paesi per sempre.

I luoghi della quotidianità furono colorati per coprire, mascherare, distrarre da un’innegabile povertà. Ed i momenti della nostalgia furono mantenuti…in bianco e nero.

Non so voi, ma io non riesco ad immaginare un tango a colori. Come non riesco ad immaginare Buenos Aires in bianco e nero.

Ed ecco come è nata una pubblicazione sui luoghi ed i momenti del tango a Buenos Aires. Un alternarsi di scatti a colori ed in bianco e nero. Ma non è così anche la vita?”

Nella foto un'immagine tratta da Buenos Aires: i luoghi e i momenti del tango by Antonio Amendola

“Next stop? Quale sarà la prossima tappa del tuo viaggio fotografico?”

“A fine dicembre, probabilmente, andrò in Uganda per documentare il lavoro straordinario di una ONG che supporta dei villaggi della zona dell’Alto Nilo. E’ una zona che mi affascina, anche alla luce della secolare storia delle esplorazioni alla ricerca delle sorgenti del Nilo. Vedremo…”

“Invece il tuo sogno nel cassetto qual è? Qual è il luogo che desidereresti immortalare?”

“Sì, ci sarebbe un sogno nel cassetto che prima o poi realizzerò. Raggiungere l’isola di Tristan da Cunha, ad una settimana di navigazione a sud di Città del Capo. E’ l’avamposto umano più remoto al mondo, ed è un enclave britannica. Solo circa 400 abitanti che popolano “Edimburgh of the Seven Seas” (già il nome meriterebbe il viaggio) raggiungibili solo via mare con cargo mercantili che partono poche volte all’anno dal Sudafrica. L’isolotto antistante si chiama, pensa, Inaccessible Island… Ho fatto delle ricerche sui cognomi degli abitanti. Due, ricorrenti, sono di origine genovese e discendono da pescatori di una baleniera affondata lì nei pressi. Non male la storia, eh?”

“Spiegami meglio cos’è Shoot 4 Change? Ho visto che nei fai parte. Tu credi che si possa cambiare con un click?”

“E’ un’iniziativa che ho ideato ed avviato recentemente e che, ogni giorno che passa, sembra crescere e – quasi – vivere di vita propria. Scherzi a parte, si tratta di un network di fotografi (professionisti e non) uniti dalla convinzione che una fotografia possa cambiare il mondo. O meglio, possa contribuire ad avviare un cambiamento. Pensa alla foto dello studente di Tienanmen che ferma il carro armato, o le foto del Vietnam, o il fungo nucleare o gli scontri in Birmania recentemente o le foto scattate in Iran pochi mesi fa ed inviate tramite Twitter. Sì, si può cambiare. E basta poco.

Noi realizziamo servizi fotografici del tutto gratuiti per ONG ed altre istanze sociali senza fini di lucro. Condividiamo un po’ del nostro tempo, mettendo a disposizione un po’ di talento fotografico per documentare realtà spesso trascurate.

E’ un’iniziativa aperta a tutti e che si sta rivelando una sorte di peer-to-peer professionale e sociale molto interessante. Recentemente, ad esempio, ho potuto contare su dei fotografi che non conoscevo di persona per dei reportage sulla Marcia Mondiale per la Pace (della quale siamo diventati, poi, sponsor su tutti i siti internazionali) e per la Notte dei Senza Dimora a Roma e Milano. Basta spargere la voce, un pizzico di marketing virale….e qualcosa di buono e bello succede sempre.

Mi è capitato di conoscere il grande Maestro Tony Vaccaro, che ha fotografato l’Europa della Seconda Guerra Mondiale (ha partecipato alla Sbarco in Normandia) e l’Italia del dopo Guerra. Mi ha insegnato che il bello si trova dappertutto e che è compito del fotografo scovarlo e raccontarlo”

“A proposito di sensibilizzare l’opinione pubblica e rendere partecipe la gente su iniziative umanitarie importanti, nei giorni scorsi si è svolta La notte dei senza dimora. Cosa mi puoi raccontare a tal riguardo?”

“Beh, siamo stati felicissimi di partecipare agli eventi di Roma e Milano. Vedi, con Shoot 4 Change stiamo conoscendo delle realtà del nostro Paese che spesso ignoriamo (come la vergogna dei senza dimora, che quasi volontariamente facciamo finta di ignorare ai margini delle nostre città e dei quali ci ricordiamo solo quando comincia a fare davvero freddo). E a margine di queste iniziative, la vera sorpresa sono le tante, tantissime, brave persone, i volontari delle Associazioni, che dimostrano come il nostro Paese, in fondo, sia davvero splendido. Forse l’Italia non sarà un paese di brava gente…ma sicuramente lo è di brave persone.

In questo caso abbiamo realizzato quattro foto gallerie ed un videoclip visionabile sul nostro blog www.shoot4change.net”

“Grazie Antonio per la tua disponibilità. Un’ultima cosa prima di concludere. Ma se non avessi fatto il fotografo, cosa avresti fatto?”

“ (sorridendo)… Non capisco la domanda”

Con questa nuova consapevolezza verso l’utilizzo della fotografia, prendo la mia piccola digitale. La guardo con una luce diversa, come se avessi ritrovato un vecchio gioco al quale ero legato da bambino. Metto le batterie in carica e guardo fuori dalla finestra. Con la mente sto già viaggiando, ripensando a quello che mi ha raccontato Antonio. Click.