“È stato un viaggio introspettivo… per certi aspetti all’inizio anche doloroso… ma riprendendo in mano quelle matite ho ritrovato tutta quella vitalità derivante dalla consapevolezza di fare qualcosa che sentivo mio…”. Con queste parole Elena Tordini, conclude un dialogo la cui partenza sembrava infrangersi inesorabilmente su un contesto socio-economico completamente trasformatosi negli ultimi anni.

Elena Tordini (ph. by Patrizia Minelli)

Siamo a Prato e il resoconto di Elena, va ben oltre a qualunque reportage o servizio giornalistico. È chiaro che non riesce a rimanere distaccata dall’analisi di ciò che è accaduto e sta tutt’ora accadendo in quella provincia. Lei è nata lì. Ha lavorato lì. È stata protagonista delle glorie di un distretto artigianale/industriale. È solo spettatrice della sua scomparsa. Analizzare le cause, individuare i responsabili, provare a fare una previsione di ciò che potrà ulteriormente accadere, non è ne semplice e forse nemmeno possibile. Sta di fatto che quella che chiamano qui “invasione cinese” e lo “scippo” dell’indotto tessile pratese, presenta delle criticità che trovano strette correlazioni con la perdita di valori. Valori legati al lavoro. Valori legati all’etica. Valori legati alla persona.

Opera di Elena Tordini tratta dalla collezione Details

In questo scenario la storia di Elena assume un ulteriore significato di riscatto e di volontà di rimettersi in gioco. Lei nipote di un pittore, fin da piccola voleva fare l’artista. Non era il capriccio di una bambina, ma la sua modalità innata di comunicare con gli altri. Però a Prato si lavora, mica si può “perdere tempo” a rincorrere sogni. Un compromesso sembra la scuola per disegnatrice di moda. Estro artistico finalizzato ad un lavoro concreto. Poi comunque permette seppur momentaneamente di uscire dalla propria città. Adempiuti gli studi si inizia subito a lavorare nell’ambito manifatturiero pratese. La strada di Elena sembra essere ben definita, se non fosse che, arriva una maternità e un matrimonio. Elena ha diciottanni e si ritrova subito a dover confrontarsi con responsabilità importanti e progetti sicuramente diversi da quelli programmati.

‘Chi cade al suolo si rialza appoggiandosi ad esso‘

(Nichiren Daishonin)

In questo periodo Elena però acquisisce nuove competenze. Fa suoi i primi programmi di grafica ed inizia a disegnare loghi, marchi ed altro ancora. Con queste nuove conoscenze, rientra nel mondo tessile applicando le sue capacità grafiche al tessuto. I risultati si vedono e le sue collaborazioni con le imprese locali trovano un buon riscontro. Poi però succede l’imprevisto. Arrivano i primi cinesi. La concorrenza si inasprisce. Tecnici tessili per sopravvivere si propongono come grafici, fino ad arrivare ad oggi, dopo a mala pena il 15% delle imprese pratesi sono sopravvissute.

Opera di Elena Tordini tratta dalla collezione Pensieri Nudi

Elena non demorde cerca nuove strade. Disegno di prodotto. Complementi d’arredo. Adegua la sua creatività. Creatività che trova la sua realizzazione in una linea di oggetti e in un tavolo disegnato che trova il plauso della commissione del Florence Design Week, che invita Elena ad esporre la sua creazione. Ma in un andirivieni di situazioni, accade pure che Elena rimanga coinvolta in un incidente automobilistico, che gli impedisce di lavorare al completamento di quel tavolo che doveva trovare la meritata vetrina durante quell’appuntamento fiorentino.

Ma è proprio in una situazione come questa, dove ancora una volta, sembra di aver perduto un’importante occasione, che Elena Tordini inizia a fare ciò che non era riuscita a fare prima. Inizia a dipingere a mano. A casa ritrova un vecchio corso di pittura dello zio. Inizia a fare un ritratto. Si sofferma sugli sguardi. Sugli occhi. Riesce a riprodurre l’intensità delle espressioni delle persone. Il bianco e nero che utilizza sembra potenziare tutto ciò. Elena ha la conferma che la pittura insieme al design sono i suoi linguaggi per mettersi in contatto con il mondo. Inizia un nuovo viaggio per Elena. È il dicembre 2013 e nel suggestivo luogo com’è l’Opificio JM di Prato, approdano le prime collezioni pittoriche di Elena: Pensieri Nudi e Details.

Il resto? È presente. Il resto è Elena Tordini, artista, designer e “spacciatrice di idee”.

Elena Tordini (ph. Patrizia Minelli)

Roma nord. Una strada. Una via. A nemmeno cento metri di distanza due abitazioni. Da una di queste un ragazzo esce. Subito dopo una curva a destra, fa un fischio. Il cancello dell’altra casa si apre. E’ un incontro. E’ l’incontro. E’ un rituale che si ripete quasi tutte le sere. E’ un’amicizia nata in passato, che vive il presente e si proietta nel futuro. E’ più semplicemente la storia di Valerio ed Emanuele.

Valerio Tirapani ed Emanuele Di Feliciantonio

Valerio Tirapani ha ventidueanni. Fa il postino. E’ pittore. Emanuele Di Feliciantonio ne ha ventisette ed è un fotografo professionista. Si conoscono fin da bambini. Hanno giocato insieme. Hanno corso. Riso e qualche volta si sono pure azzuffati. Ora condividono parole. Scambiano pensieri. Si confrontano sulla vita. Oggi come ieri una cosa è rimasta intatta. La gioia di stare insieme. La spensieratezza di una paio d’ore passate in compagnia.

Per Valerio c’è un liceo artistico iniziato e un diploma in psicopedagogia conseguito, ma soprattutto c’è il disegno. Quello che ha sempre fatto con una matita in mano. Quello che ha scoperto quando si è ritrovato con gli attrezzi di una pittrice scomparsa. E’ proprio lì che quasi per gioco, quello che era un suo modo di intrattenere il tempo, diventa qualcosa di più strutturato. Da un foglio passa alla tela. Dal pensiero alla pittura. Un giorno prende un quadro acquistato tempo prima all’Ikea. Non gli piace. Forse non gli è mai piaciuto. Lo gira e ne disegna uno lui. E’ una “finestra”. E’ la prima di una lunga serie. Nel guardarle il senso che ne ha è quello di entrarci dentro. E’ quello di entrare nell’anima delle persone. Una visione che prende forma. Per Valerio la soddisfazione è totale.

Emanuele inizia a lavorare a tredici anni. A quindici riceve la sua prima paghetta. A diciotto passa al professionismo. Da allora è il fotografo ufficiale di tutto ciò che è arti marziali, boxe, sollevamento pesi e molto altro ancora, perché come dice lui “dove si menano io ci sto”. Emanuele è un po’ figlio d’arte in tutto ciò. Il suo legame con lo sport è un legame generazionale. Suo nonno praticamente ha introdotto le palestre a Roma. Suo padre si è occupato di produzioni televisive legate alle arti marziali. Produzioni che dopo la sua scomparsa, Emanuele segue insieme alla fotografia.

In questi due contesti professionali apparentemente lontani, ecco che Valerio ed Emanuele trovano un punto di contatto. Quasi inevitabilmente tra una chiacchierata e l’altra di una delle tante serate trascorse insieme, si ritrovano a condividere un’idea. Perché non mettere insieme la pittura con la fotografia? Nemmeno il tempo di capire come, che passano immediatamente all’azione. Valerio dipinge le sue finestre sulle schiene di alcune persone. Emanuele che sa cogliere l’essenza di un gesto fisico immortala il tutto. Il risultato è straordinario. E’ straordinario per la bellezza che rappresenta. E’ straordinario perché è il perfetto equilibrio di due forme d’arte. E’ straordinario soprattutto perché è la sintesi di un’amicizia che traspare nella sua completezza.

La pittura di Valerio Tirapani incontra la fotografia di Emanuele Di Feliciantonio

L’idea non si ferma. Due, tre, quattro fino ad arrivare ad una decina di opere. Opere dove la posizione dei modelli è la cornice e la loro schiena diventa la tela. Il progetto viene mostrato. Prima ad amici. Poi a galleristi ed esperti di arte. Le conclusioni sono sempre quelle. Quelle che ti portano via le parole per lasciare spazio alle emozioni. Iniziano una prima serie di mostre in giro per l’Italia. I consensi si moltiplicano. Anche i sorrisi, quelli di Valerio ed Emanuele che sembrano aver trovato una chiave di lettura a tanti discorsi fatti in piacevoli serate trascorse insieme.

E’ solo l’inizio. Il passo successivo non è ancora svelato, ma sicuramente sarà un altro entusiasmante viaggio nell’animo delle persone. Intanto è giunta un’altra sera. Dopocena Valerio scende di casa. Dopo pochi passi inizia a fischiare e la porta di casa Di Feliciantonio si apre. Perché alla base di tutto c’è la loro grande amicizia.

Valerio Tirapani feat. Emanuele Di Feliciantonio

Oggi visiteremo dei mondi astratti, ma forse più reali di quanto si possa immaginare.

Oggi cercheremo di capire quanto sia importante esprimere pienamente se stessi.

Tutto questo sarà un cammino in serenità. Riflessivo. Come una lenta, ma intensa passeggiata in un parco imperversato dalle pulsanti sfumature di tono, di una rigogliosa primavera.

Girasoli nel paesaggio - acrilico su tela - 80x80 - Silvia Martignago (2009)

In questo viaggio non saremo soli, ma avremo il piacere di essere guidati da una splendida creatura, che attraverso la sua visione paesaggistica ci permetterà di ascoltare cosa dice il nostro cuore.

Questa nostra speciale accompagnatrice si chiama Silvia Martignago ed è pittrice. Sottolineo fin da subito questo “è”, perché non devono esserci dubbi o incertezze. Silvia “fa” anche qualcos’altro per mantenere e sviluppare questa sua passione, ma Silvia è pittrice.

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Raggiungo Silvia al telefono durante la sua pausa pranzo. E’ lunedì, giorno un po’ particolare per intrattenere una persona al telefono e chiederle di parlare di sé, ma bastano le prime parole di Silvia per togliermi qualsiasi dubbio per un possibile fastidio.

Il sottofondo è un po’ disturbato dal brusio e le grida di bambini. Forse Silvia si è fermata davanti l’uscita di una scuola per rispondermi al telefono. Ma anche questo chiacchiericcio non previsto, mette un’ulteriore allegria alla nostra conversazione.

“Silvia praticamente i nostri destini professionali si sono incrociati. Era l’inizio del 2004 quando io arrivavo nell’azienda che ci ha ospitati entrambi, mentre tu la lasciavi. Non ci sono state molte occasioni d’incontro da allora, eppure ho la sensazione di conoscerti molto di più di quanto le occasioni abbiano permesso di fare. Come mai secondo te?”

“2004… che anno!!! Già, ci siamo incrociati, ma vedi poi, le nostre passioni ci hanno fatto avvicinare… grazie anche all’azienda in cui lavoravamo… mi è rimasta nel cuore! anche perché ho conosciuto delle persone meravigliose, che ora sono le mie più care amiche”.

“Allora veniamo a te. Sono andato a vedermi parte dei tuoi lavori e tralasciando tecniche e quant’altro, la cosa che mi ha subito colpito è l’utilizzo del colore che fai. Cosa rappresenta tutta questa vitalità di sfumature?”

“Rappresenta il mio modo di essere; più che all’oggetto in sé, i colori devono emozionarmi e soprattutto devono essere in armonia tra di loro, devono colpire l’osservatore”.

“Nei tuoi quadri vengono rappresentati dei paesaggi. Hai bisogno di vederli realmente prima di reinterpretarli o possono essere anche solo paesaggi frutto della tua fantasia?”

“No, non invento nulla, ho una parte di me molto attaccata alla terra, al senso pratico, anche se a volte non sembra, quindi ogni quadro, anche se poi rivisto con le mie tecniche di pittura, è frutto di un immagine vera, di paesaggi visti, fotografati e soprattutto vissuti, attraverso i viaggi”.

“Cosa rappresenta per te la pittura?”

“Una passione vera ed un modo per poter essere me stessa”

“E’ per questo che i tuoi quadri trasmettono gioia, entusiasmo, voglia di assaporare pienamente la vita?”

“Sì, rappresentano questo, devono assolutamente portare gioia ed allegria; la vita di oggi ci rende frenetici e tendiamo a fare tutto in velocità, anche il saluto si fa ormai via sms… quindi, almeno quando dipingo, mi fermo da tutto ed immagino di essere dentro il mio quadro e mi rilasso”.

Laguna in Venezia - Olio su tela - cm 90x90 - Silvia Martignago (2006)

“Non sempre però è semplice seguire le proprie passioni. Anche per te, come per tanti altri giovani, sono stati imposti dei freni dovuti alle pressioni famigliari che ti vorrebbero “non perdere tempo su questi giochi” e pensare “al lavoro sicuro” oppure vederti per certi aspetti ingabbiata, a causa di un percorso scolastico che non senti tuo?”

“Già, dovevo essere una “grafica pubblicitaria” invece ho seguito un percorso scolastico tecnico/commerciale (dovevo essere più decisa io ed impormi…) che mi ha permesso sì di lavorare in importanti aziende, ma che non ha mai cancellato la mia grande passione per l’arte e la creatività. Infatti ho sempre lavorato e dipinto, ma la pittura passa ovviamente in secondo piano perché di tempo ne ho ben poco”.

Déjà vu. E’ sempre la solita storia. Talenti inespressi per cause indipendenti da loro. Perché si deve rinunciare ai propri sogni? Perché la famiglia, la scuola, le altre diverse istituzioni non aiutano i ragazzi a credere nelle loro possibilità, a cercare la realizzazione dei loro naturali percorsi, invece di mettere degli stupidi limiti. Certe volte basta anche un semplice incoraggiamento… “Bravo! Vai avanti”.

“Tu Silvia per lo più sei autodidatta, però mi hai raccontato che ci sono stati due momenti importanti per individuare il tuo personale percorso artistico. Il primo se non sbaglio è stato con l’incontro con il Maestro Sergio Favotto. Cosa hai appreso da lui?”

“E’un Maestro, un artista vero; l’ho sempre seguito nelle sue mostre, anche da piccola; lui vive qui a Treviso e spesso vedevo in giro le sue opere, meravigliose, soprattutto i nudi; quindi ho deciso di frequentare per un periodo i suoi corsi, visitando anche il suo studio. Poi una sera gli ho portato uno dei miei dipinti e lui mi disse che dovevo seguire il mio istinto e la mia tecnica personale… così ho fatto.”

“Mentre l’altro momento, chiamiamolo di svolta, è arrivato con la tua avventura in America. Cos’è successo lì?”

“E’ stata una decisione nata da un sentimento e dalla voglia di vedere cose nuove; ho viaggiato tanto “on the road” e vissuto un’esperienza bellissima che mi ha fatto scoprire altre culture, nuove espressioni artistiche e soprattutto spazi espositivi mai visti, almeno qui in Italia.”

“Tu quindi che hai potuto vivere questa bella esperienza che idea ti sei fatta, tornando in Italia, delle strutture organizzative che dovrebbero promuovere gli artisti come ad esempio le gallerie d’arte? Esistono qui degli spazi per fare e presentare le proprie opere?”

“Si potrebbe fare di più qui in Italia, senza esigere dagli artisti somme di denaro mostruose; gli spazi ci sono ma non sono sfruttati per gli artisti emergenti e/o non conosciuti, tutto è pilotato da organizzazioni o dalle singole gallerie che alla fine vogliono qualcosa in cambio e non chiedono poco! Invece, si dovrebbero creare delle strutture pubbliche o private in luoghi ben visibili al pubblico (centro città), dove gli artisti possono esibire a turno le proprie opere, sculture, creazioni, ecc., pagando magari un piccolo contributo ma che diviso in tanti non sarebbe un costo eccessivo”.

“A proposito di mostre, quale sarà il prossimo appuntamento ufficiale dove andrai a presentare le tue nuove opere?”

“Kreatief Huis Gallery ad Anversa…”

Soavi - acrilico su tela - cm 80x80 - Silvia Martignago (2007)

“Incontrando un’artista ci sono due cose che mi piace chiedergli. Apparentemente scontate, ma che permettono di entrare un po’ meglio in empatia con lui. La prima riguarda “il quando”… perciò in quale momento della giornata Silvia Martignago predilige dipingere?”

“Nel pomeriggio!”

“La seconda cosa invece è legata all’ispirazione. A prescindere dal genere artistico ha qualcosa di magico, anche se non credo che una persona, nel caso della pittura, si metta davanti ad un tela bianca nell’attesa che dal cielo scenda l’illuminazione. Nel tuo caso com’è?”

“Prima di iniziare a dipingere sfoglio un sacco di riviste, soprattutto quelle di arredamento, di piante, di giardinaggio, prendo foto vecchie, faccio foto dei paesaggi, rifletto, penso, faccio degli schizzi… e poi da queste nasce l’ispirazione”.

“Invece a che punto pensi di trovarti del tuo cammino artistico?”

“A nessun punto, vado avanti con le mie idee e mi organizzo da sola, sono contenta di quello che sono riuscita a costruire con le mie forze…”

“Prima di lasciarti Silvia, ho visto che ultimamente stai sperimentando anche qualcosa che si avvicina più al design che alla pittura. In cosa consiste?”

“Sì, è la parte di pittura che definisco “complemento d’arredo”; le opere in questo caso sono delle rose, fatte con del materiale particolare; sono semplici/monocolore e nell’ arredamento sia classico che moderno, danno un tocco di originalità; sono molto apprezzate devo dire…”

La nostra chiacchierata si conclude con un allegro arrivederci. D’altronde da due persone così solari cosa ci si può aspettare. Mi auguro solo che il colore che Silvia mette nei suoi quadri, sia anche solo parzialmente arrivato a voi con le parole che ho utilizzato durante questa intervista. Intanto ti saluto Silvia… “arrivederci pittrice che da forma ai sentimenti”.

E poi qualche giorno fa mi arriva un invito. Presentazione del libro vincitore della XX Edizione del Premio Nazionale di Poesia Federico Garcia Lorca 2009, Torino: Non Avrei Mai Pensato di Diventare di Michele Morando.

Eccolo, lo ritrovo a distanza di anni. Certo non avevo bisogno di un premio per avere conferme sulle sue qualità, però la cosa mi fa piacere. Diciamo che è la giusta ricompensa ad un ragazzo che ha delle capacità. Sì, perché si tratta pur sempre di un poco più di un trentenne che usa la poesia (ma non solo come vedremo) per comunicare i suoi pensieri, le sue emozioni.

“Partiamo dalla fine. Ti ho lasciato a fare il grafico per il web e ora ti ritrovo poeta, nonché premiato. Allora Michele di cosa trattano queste poesie raccolte in Non Avrei Mai Pensato di Diventare?”

“Devo partire dall’inizio per risponderti.

Prima ti dico perché non faccio più il grafico. È strettamente connesso allo scrivere. Un giorno di 8 anni fa, mentre lavoravo al computer, ho avuto un attacco di panico. Di lì a poco, altri, fino ad arrivare a non resistere più di 5 minuti di fronte ad un computer. Ho deciso di smettere di farmi del male e ho venduto il Mac che avevo in casa, sostituendolo con una macchina da scrivere Olivetti Lettera 22, un’anticaglia che ovviamente funziona ancora.

Ho cominciato a scrivere, raccontandomi a me stesso, partendo da questo spavento iniziale.

Le poesie della raccolta Non Avrei Mai Pensato di Diventare sono una parte del discorso che ho cominciato quel giorno. Le poesie trattano della sorpresa di esistere, delle cose di noi che scopriamo, lentamente, giorno dopo giorno, nel bene e nel male.”

“Mi sembra di cogliere che dalla tua privilegiata postazione di osservatore, fai una disamina disincantata sul nostro esistenzialismo, che rischia d’incepparsi nella sua mediocre routine quotidiana. Ma secondo te c’è un modo per riappropriarsi della propria vita e di vivere non in maniera distratta le relazioni umane?”

“Discorso delicato. Premettendo che la vita non è sempre uno spasso o una novità, ma è anche una noia e una rottura di balle colossale affermo quanto segue:

la mia posizione non è di privilegio perché è una precisa volontà che fa di me un osservatore. E di privilegi concreti non ne ho, ho lo stretto necessario. Una volta capito che non si vive di solo pane, mi sono sentito di inseguire la scrittura, fino a quando ha cominciato a mostrare i suoi meravigliosi doni.

Credo che la mediocre routine quotidiana ce la scegliamo noi.

C’è routine e routine. Ad esempio la routine di un uomo che lavora 12 ore al giorno, tutti i giorni, per disperazione, perché non sa cos’altro potrebbe fare è ben diversa dalla routine di chi lavora meno ma riesce a vivere il suo tempo con pienezza. Sono convinto che produrre e lavorare così tanto ci faccia del male. Non è ideologia la mia, ma esperienza sul campo.

Tutti abbiamo una routine ed è normale averla, anche utile. Sforzarsi di non averla è stupido. La differenza sta nella qualità della routine.

A chi si sente costretto in una routine quotidiana oppressiva, mi viene da dire di cominciare a cambiare. Serve coraggio, ma se una persona sta male deve farlo.

La distrazione delle relazioni umane è figlia della superficialità e la superficialità è data dallo sfruttamento dell’effimero. La gente ha paura di osservarsi a fondo, perché non ha gli strumenti per farlo.

La superficialità si combatte con la propria presenza, la propria coscienza, con una forma critica. Un modo per riappropriarsi dell’esistenza è essere critici nei suoi confronti. Il pericolo è di diventare superficiali nella critica. Per esempio quando si distrugge senza proporre, questo è negativo e serve a poco. Bisogna “distruggere costruendo”.

“Tu in passato avevi già incontrato la scrittura. Se non sbaglio già nel 2006 avevi pubblicato un libro che raccoglieva dei tuoi lavori. In cosa consisteva?”

“Era la mia prima raccolta di poesie. Avevo fatto una mostra con foto e poesie e avevo poi deciso di ricomporre tutto in un libro. L’ho stampato in poche copie grazie ad un amico che aveva una piccola stamperia e l’ho spedito a qualche editore. Dopodiché è stato ristampato Eugenio Rebecchi di Blu di Prussia (Piacenza). Da li è cominciato tutto, qualcuno in cui credevo mi ha detto: “Belle, continua.”

“Cosa rappresenta per te la poesia? La possibilità di mettere in versi i propri pensieri?”

“Non sono solo pensieri ma sentimenti. È un modo per condividere emozioni, per vedere se la gente è così distante come sembra. E la scoperta è che… no, non lo è. È solo drammaticamente distratta.

La poesia per me è silenzio. È così che la sento, come una perdita continua di parole. Teoricamente parlando vorrei che la mia poesia si facesse sempre più sintetica fino a raggiungere il silenzio, l’assenza di parole. Una delle poesie dell’ultima raccolta parla proprio di questo”

Terrazza a Granada, olio su tavola, 30x30 cm

“Ma Michele Morando non è solo poesia. O meglio la tua “poesia”, intesa come sensibilità ad esprimere delle emozioni, trova anche altri strumenti espressivi, vero?”

“Nel disegno. Adoro disegnare e dipingere, ma disegnare e dipingere richiederebbero, per come li intendo io, un lavoro quotidiano e una dedizione totale, fatto di fatica e dispendio di energie fisiche e mentali non indifferenti. Oltretutto non ho uno studio dove poter lavorare. Ce l’ho avuto in passato, ed infatti ho realizzato alcune quadri ma ora mi è veramente impossibile. Senza un luogo dedicato non si può fare un buon lavoro.

Devo avere un spazio fisico e un luogo mentale per poter dipingere, uno spazio (non la camera dove dormo) per poter staccare da tutto e concentrarmi solo sulla tela o sul foglio. Spero un giorno di poterlo fare, vorrei fare il pittore e basta. Ma in un certo senso ho già cominciato, perché il lavoro di ogni giorno, quello che mi da il pane è fare le vetrate per le chiese, mi occupo dei progetti e dei bozzetti.”

“Parlami un po’ del disegno, della tua pittura. Che tecniche usi? Quali sono i temi trattati?”

“Non ho temi, che io sappia. Mi piace usare la penna bic e l’inchiostro per disegnare, l’olio e gli acrilici per dipingere. Sto cercando di capire quale mi sia più affine. Ma pure qui, torniamo al punto centrale, serve lo spazio minimo dove poter lavorare fino a trovare una strada e dei temi se vuoi. Fino a due anni fa condividevo con altri pittori un atelier ma non ero ancora pronto a sacrificarmi, pensavo a troppe cazzate che non servono se vuoi essere un pittore vero. Pensavo a divertirmi, ad uscire ecc. Adesso che saprei allegramente fregarmene di divertirmi un casino perché è sabato l’atelier non ce più e soffro come un cane.”

Immagine tratta dal backstage del film Il continente sommerso - Michele Morando, Leonardo Rozio, Letizia Giorgiolet e Guido Roberti

“E del cinema che mi dici? So che hai scritto e diretto alcune pellicole, una delle quali è stata presentata pure a Cannes.”

“Nel 2001 ho girato il mio primo video Panta Rei, dalla finestra di camera mia. Era la mia prima vera incursione artistica (per usare un termine comprensibile) nella realtà. Era la prima volta che esprimevo un concetto con il video. È stato emozionante, così cominciai a pensare di farne altri, di dedicarmi al video. Così ho scritto Il continente sommerso, con l’amico filosofo Federico Faccioli e ho cominciato così a lavorare duramente ad un cortometraggio con una struttura narrativa.

Dopo due anni di lavoro ho imparato moltissime cose sul cinema anche se il risultato è acerbo. Il nostro corto (dico nostro perché ho lavorato con persone splendide che l’hanno fatto gratis) è stato presentato a Cannes ad alcuni produttori e venditori. Ma non ha avuto fortuna.”

“Addirittura sei riuscito a portare il cinema in radio. Sembra un ossimoro, ma ce l’hai fatta. In cosa consisteva il tuo contributo nel talk show culturale radiofonico Mai di giovedì?”

“A Mai di giovedì sceglievo con Federico Castagna (ideatore e conduttore del programma) i temi e i film che ogni giovedì sera presentavo in trasmissione. Ad ogni puntata affrontavamo un tema, ad esempio con il tema de L’IMMAGINAZIONE il film era 8emezzo di Fellini oppure quando abbiamo parlato di CATTIVERIA il film allegato è stato IL SERVO di Joseph Losey poi per LA PUREZZA ho portato INTO THE WILD di Sean Penn e così via. Questo ogni giovedì per un totale di 35 temi e 35 film. Selezionavo tre brevi estratti sonori, tre scene che trattassero il tema affrontato in puntata e lo mandavamo in onda. Il tema veniva discusso da noi conduttori e dagli ospiti. È stata un’esperienza molto bella e veramente ben riuscita, ma che non ha avuto il seguito che meritava. Qui succede spesso che le cose si fermino raggiunto un certo livello… ma è meglio se mi fermo, non vorrei essere uno di quelli che distrugge senza proporre.

Ciao a tutti, grazie.

M.M.

Che dire Michele di strada ne hai fatta, ma ho una convinzione… sei solo all’inizio e vedo un lungo percorso costellato di soddisfazioni. In bocca al lupo e buon cammino!